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Thursday, 25 June 2015

Yto Barrada: Faux Guide

Inspiring moments at Yto's installation at Pace London while laying down on the carpet and thinking about what to come next.
Yto Barrada (b. 1971, Paris) grew up in Tangier and lives in New York. Solo exhibitions of her work have been presented at the Walker Art Center, Minneapolis (2013–14); The Kitchen, New York (2006); Jeu de Paume, Paris (2006); and Witte de With Contemporary Art Centre, Rotterdam (2004). In recognition of her 2011 Deutsche Bank Artist of the Year award, her solo exhibition Riffs was presented at the Deutsche Guggenheim, Berlin, and travelled to Wiels, Brussels; The Renaissance Society, University of Chicago; Ikon Gallery, Birmingham; MACRO–Museum of Contemporary Art, Rome; and Fotomuseum Winterthur.

Barrada was featured in the Venice Biennale in 2007 and 2011. Her work is in the permanent collections of numerous public institutions including the Kunsthalle Basel; Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; Museo Tamayo Arte Contemporáneo Internacional, Mexico City; The Museum of Modern Art, New York; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien–MUMOK, Vienna; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Tate Modern, London; and Victoria and Albert Museum, London.
As an extension of her artistic practice, Barrada is a founding director of Cinémathèque de Tanger, North Africa’s first cinema cultural center, now ten years old.

Thursday, 20 November 2014

Hiroshi Sugimoto: Still Life

Hiroshi Sugimoto
Still Life
Pace London

Hiroshi Sugimoto, Olympic Rain Forest (gelatin silver print), 2012 [Detail]
A copy of a copy of another copy from a possible copy. We're way beyond simulations and simulacrum; from the original and reality - whatever that could be. We're living through perceptions, memories of what could have been, and not what can be, just like in a cinema projection, in a computer screen. Seeing, wanting to increasingly see what that's not to see anymore. Not even a shadow of a figure.
Hiroshi Sugimoto, Olympic Rain Forest (gelatin silver print), 2012 [Detail]
Reality doesn't make any sense when one's all alone in a place packed of model bodies, financial professionals, carnal environments. It is like those photos of dioramas by Hiroshi Sugimoto. Empty backgrounds for a lifeless life. Destitute of life and all other living beings it is not worth living. Even when love subdue time and space. I do miss those physical sensations, those intense feelings gained from bodily interactions. It is a big Still Life of void and emptiness. One of these days I will get in to one of those non-smoking places and smoke. Will stay as long as I want and no one, no one will say a damn thing about it.
Hiroshi Sugimoto, California Condor (gelatin silver print), 1994 [Detail]
«Hiroshi Sugimoto (b. 1948, Tokyo, Japan) has defined what it means to be a multi-disciplined contemporary artist, blurring the lines between photography, painting, installation, and most recently, architecture. His iconic photographs have bridged Eastern and Western ideologies, tracing the origins of time and societal progress along the way. Preserving and picturing memory and time is a central theme of Sugimoto’s photography, including the ongoing series Dioramas (1976– ), Theaters (1978– ), and Seascapes (1980– ). His work is held in numerous public collections including The Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Tokyo; The National Gallery, London; The National Museum of Modern Art, Tokyo; Smithsonian Institute of Art, Washington, D.C., and Tate, London, among others.» [... MORE ...]

Tuesday, 9 September 2014

Nathaniel Mary Quinn: Past/Present

Nathaniel Mary Quinn
Past/Present
Pace Gallery

Nathaniel Mary Quinn's (1977, Chicago, US) "vivid, large-scale paper works are an assemblage of facial features which can be read as abstract-figurative works. The pieces deal with the complex construction of identity, inevitably influenced by past memories and present experiences, but executed in the moment." [...Press Release...]
"Although reminiscent of Synthetic Cubism, Quinn’s works function outside of these historical references and reveal themselves as autobiographical, narrative and representational. The ‘hybrid creatures’ that appear in these distinctive compositions are formed from a mixture of family portraits, popular articles, and advertisements."
"The work sits in tension on the boundary of what can be seen as purposely grotesque or aesthetically pleasing, presenting both beauty and melancholy." [...Press Release...]

Monday, 18 August 2014

Today's Special

Keith Coventry, Kebab Machine 2 (bronze, 109 x 38 x 38 cm. Ed 3), 1998.
... was brought to us by Pace London & Abdullah AlTurki, with installations, sculpture, painting, photography and video works by Gabriel Orozco, Juergen Teller, Elad Lassry, Mat Collishaw, Keith Coventry, and some other artist's work. The exhibition "takes a satirical look at the way society represents, consumes and obsesses over food."
Juergen Teller, 25 works (lightjet digital c-print, 25.4 x 20.3 cm. Ed 5), 2010
Between July and September 2014, the multiplication of food imagery included a growing number of cuisines, programmes and social channels across London and beyond, depicting and significantly exploring the relations between contemporary human relationships, like close friends and professional acquainted people, and food eating habits from distinctive parts of the world. Some highlights include,
getting everybody together for lunch at M's garden cooked by M. and myself; meeting with L. and S. at their new house for a diner, sprinkled with a gratifying feeling brought on by a selection of French wines; dinning with A. and C. at a high-street restaurant to discuss the lightness of salads, a selection drawn upon a table cheese and the destructive implications of Brace Brace; getting together with L. and M. for a barbecue at the local park while visioning the Northern counties; eating with V. at the closest pub to conjure about power mechanisms; a light lunch with M. at his being-refurbished-house; be with M. for a pint and peanuts; joining S. and his family for his birthday party and a mixture of disrupted and consumed appearances; and some Samuel Smith's traditional meals at different locations. Overall, today's special has been a time of full of gratifying eating impulses, activities and experiences.

Friday, 25 April 2014

Zhang Huan: Spring Poppy Fields

Zhang Huan
Spring Poppy Fields
Pace Gallery London
This is what I call Zhang Huan performative installation, at Pace London.
Zhang Huan (b. 1965, China) is one of the most vital, influential and provocative contemporary artists working today. The layers of ideas the artist explored in his early performance art, conceived of as existential explorations and social commentaries, have carried through to the more traditional studio practice he embraced upon moving to Shanghai in 2005, after living and working for eight years in New York City.

Friday, 21 March 2014

Swimming in the Ocean, or How I Lost My Mobile (Again)

Another night wandering from tavern to tavern in the centre of London, until I loose my mind to the Dionysian mysteries.
Tomory Dodge, Stutter (oil on canvas, diptych, 213.2x365.8cm), 2014 at Alison Jacques Gallery
Black, no black. European hypocrisy in process. I'm in love with the sales person, however she's with her boyfriend. It doesn't matter, because I don't want anything with him... I just want to meet her incorporate reserves.
Chromatic Urban Noises at Alison Jacques, Wallpaper at Pace Soho, Artist Inspiration Destabilization at White Cube, Black, No-Black The New Post-Colonial at Jack Bell, at the end of the night I Have Become Invisible with Favourbrook.
Liang Yuanwei, Untitled 2013.13 (oil on linen, 140x120cm), 2013 at Pace London (Soho)
I have been for so long living underwater that when, sometimes, someone gives me the opportunity to bread fresh air, I get sick. Underwater is much more quiet, fresh; underwater everything is more turbulent, limitless enveloping. I'm swimming in the ocean for so long. People are just blur images in the water. People are just colourful images in the water. People are just translucent images in the water. People are just intangible images in the water.
Miroslaw Balka, Above your head (steel mesh canopy), 2014 at White Cube (Mason's Yard)
I have been swimming in the ocean for so long that to have my tailoring made I need to be a Gallery Director or an Artist! I will be always the promo guy.

Tuesday, 1 October 2013

Review: Li Songsong: We Have Betrayed The Revolution

Pace London
Li Songsong: We Have Betrayed The Revolution

Li Songsong, Big Girls (280 x 250 cm, Oil on aluminum panel), 2013
© 2013 Li Songsong. © 2013 Pace Gallery, All Rights Reserved.
Li Songsong, em Nós Traímos A Revolução [We Have Betrayed The Revolution], revela-nos a presente situação ambígua da sociedade chinesa, em particular, enquanto nos transporta para o contexto globalizante da sociedade contemporânea. O mais recente corpo de trabalho do artista Chinês revela-nos e imiscui-se num duplo agenciamento. Se, a um nível, as pinturas apresentadas pelo artista, na exposição na Pace London, estão centradas na essência da técnica e do processo artístico; a um outro nível, o artista apresenta fragmentos de uma realidade social construída ao longo do tempo, e modificada de acordo com os desejos e intenções das estruturas de poder imperantes. Os retratos de figuras e eventos históricos, que formam e existem na consciência colectiva chinesa, são retirados do seu contexto inicial e reescritos de uma forma e modo distinto. Por exemplo, apesar de os trabalhos de Songsong retratarem o que é facilmente identificado com e de conteúdo e cariz político, em We Have Betrayed The Revolution (2012) [Nós Traímos a Revolução] ou Small Reunions (2013) [Pequenas Reuniões], a ênfase dos mesmos não é sobre os assuntos políticos.

Esta conotação política na obra de Li Songsong resiste a qualquer interpretação superficial implícita no olhar subjectivo do espectador, pois está escondida nas pinturas, sob a densa consistência da superfície cromática. Assim, ao compor-mos a imagem sugerida pelo artista num contexto mais globalizante, as pinturas estabelecem associações que permitem uma comunicação entre modos de ser e ver que são sincronicamente díspares e similares. Simultaneamente revelam e ocultam estruturas imperativas: uma relacionada com a experiência quotidiana e a reflecção sobre uma realidade especifica – política ou histórica; a outra, acerca da apropriação da imagem fotográfica como fonte para a representação da realidade através da pintura; outra, ainda, sobre a transformação da linguagem como uma forma operativa de informação sobre realidades especificas.
Li Songsong, Guests Are All Welcomed (120 x 120 cm, Oil on canvas), 2013.
© 2013 Li Songsong. © 2013 Pace Gallery, All Rights Reserved.
Conforma expressa o crítico e ensaísta Demetrio Paparoni, no catálogo que acompanha a exposição: “a análise da linguagem não é unicamente uma operação formal para Li Songsong, mas um passo necessário para apreender a complexidade da estrutura social e política que a rodeia.” Para Li Songsong a realidade é compreensível unicamente como linguagem – esta existe em diversas formas e feitios: escrita, oral, gestual, corporal, etc. Neste sentido, as palavras que dão a função no título da exposição e são, também, usadas numa das pinturas, ‘Trair’ e ‘Revolução’, implicam na sua essência descontinuidade. Encerram a aplicação contraditória de um movimento provocado com a intensão de revelar e alterar a direcção das estruturas vigentes, para um sentido distinto do actual – podemos numa primeira instância considerar esta acção um acto essencial no e para o processo evolutivo. Contudo, quando usadas em simultâneo na mesma frase, tanto ‘trair’, como verbo, e ‘revolução’, como sujeito, implicam incoerência no resultado dos actos sucessivos, por anularem em si mesmas a acção interposta pelo outro vocábulo. A intenção de Songsong é o de apresentar uma narrativa que represente, desta forma, a essência, as ambiguidades, e as mudanças na memória histórica na sucessão temporal. Quer de uma forma técnica, espacial ou temporal. Questões semânticas à parte, vamos ao que realmente interessa perceber na realidade que o artista pretende sublinhar.

Apesar de Li Songsong também começar por apropriar-se de imagens encontradas em jornais, revistas ou na internet, como muitos outros artistas contemporâneos – Carlos Correia (1975, Lisboa), Glenn Brown (1966, Reino Unido), Vik Muniz (1961, Brasil), Cindy Sherman (1954, EUA), Richard Prince (1940, Panamá) ou Andy Warhol (1928 – 1987, EUA) –, posteriormente, ele desconstrói a imagem e reconstrói-a, secção a secção, através de camadas de tinta sobre tela ou painéis em alumínio. Ainda que inicialmente o artista não faça distinção entre as imagens escolhidas, existe uma tendência em usar imagens nas quais as pessoas ou os eventos retratados têm uma influência histórica na construção da sociedade Chinesa: Guests Are All Welcomed (2013) – o sujeito do quadro é Neil Heywood, um empresário inglês que trabalhou na China, e era próximo de Bo Xilai, Secretário do Partido Comunista Chinês e Ministro de Comércio – ou It’s a Pity You aren’t Interested in Anything Else (2013) – relembra uma das imagens usadas pela marca publicitária, Calvin Klein, com uma presença prevalente na China. De facto, convém salientar que algumas das imagens usadas anteriormente pelo artista não são de origem Chinesa: Cuban Sugar (2006), Khmer Rouge (2006) ou Six Men (2008), mas mantêm essa relação de proximidade com a memória colectiva chinesa – a primeira está relacionadas com Cuba, a segunda, com o Partido Comunista Cambojano, e, a última, com retrata os pilotos Kamikazes. A veicular a presença política, existem, por exemplo, June (2012) – baseada numa fotografia tirada duas semanas após os eventos da Praça de Tiananmen, em 1989, e retracta Deng Xiaoping com os dois oficiais que reprimiram a revolta estudantil – ou Small Reunions (2013) – retracta o filho de Mao Zedong (Mao Tse-tung), a sua esposa e o filho de ambos, Mao Xinyu, junto do corpo do famoso revolucionário e político Chinês.

Ao invés de representar a imagem original na sua totalidade, Li Songsong seleciona a zona que o afecta mais. Depois, secção a secção, do centro para a periferia, ou vice-versa, começa a compor e construir fragmentos da zona selecionada da imagem com diferentes camadas de cor. Concentra-se numa área de cada vez, e só posteriormente, quando o trabalho está concluído é que a obra revela-se na sua totalidade. As secções geométricas sequencialmente pintadas não estão fisicamente próximas umas das outras, o artista assegura-se de que as cores de cada secção não interferem com a secção adjacente e desvirtuem a composição interna da pintura. O tom, a cor, a textura e a direcção das pinceladas criam essa descontinuidade. “Paradoxicamente, esta descontinuidade tende tanto a desorientar o observador como a conceber harmonia ao trabalho quando concluído, o qual é o resultado de um método predeterminado e não consequência do acaso.”
© 2013 Pace Gallery, All Rights Reserved.

As ambíguas obras que Li Songsong (1973, Pequim) apresenta na exposição individual, na Pace London, até 9 de Novembro de 2013, são uma intensa composição sinfónica de cores sobre a realidade política chinesa, fragmentos retirados da história de um povo, da memória um colectiva, a um nível; a um outro nível, inscrevem-se no usual recurso e a prática, por parte dos pintores, de uma forma quase quotidiana, da técnica de captação fotográfica de imagens para conceber, compor e criar as suas obras; enquanto, ainda, num outro nível, revelam a incerteza da realidade, da verdade construída.

Published at Molduras: as artes plásticas na Antena 2: Li Songsong: We Have Betrayed The Revolution

Wednesday, 18 September 2013

Li Songsong: We Have Betrayed the Revolution

Li Songsong
We Have Betrayed the Revolution
Pace London

Did noticed, for the first time, that an inverted Swastika is imprinted all over the Royal Academy of Arts building. Anyway, intense work by Li Songsong in ‘We Have Betrayed the Revolution’, at Pace London.
Li Songsong, Unnamed Lake (oil on aluminum panel, 361.5x403x14.5cm), 2013

Thursday, 5 September 2013

Bosco Sodi: Graphein

Bosco Sodi
Graphein
Pace London (Soho)

Bosco Sodi, Untitled (mixed media on canvas, 186x186x12cm, detail), 2013
«Each of Bosco Sodi’s (1970, Mexico City) paintings is a summary of his memories and collective experiences, made present by a direct method of creating, which demands his full physical and emotional participation. Sodi’s works tend to defy any categorisation but are influenced by movements such as l’art informel and colourists such as Willem de Kooning or Mark Rothko. Graphein features seven graphite large-scale unique and unconventional monochromatic paintings created this year, and continue Sodi’s use of pure pigment, sawdust, wood pulp, natural fibers, water, and glue.» [PR]
Bosco Sodi, Untitled (mixed media on canvas, 186x186x12cm), 2013
Bosco Sodi, Untitled (mixed media on canvas, 186x186x17cm), 2013
Bosco Sodi, Graphein, exhibition view
Bosco Sodi, Untitled (mixed media on canvas, 200x282x12cm), 2012
Bosco Sodi, Untitled (mixed media on canvas, 200x282x12cm, detail), 2012